Viaje diacrónico en el arte pictórico, parte III

El Arte Gótico

El marco – el estilo gótico se inserta en el marco del cristianismo en Europa. El término gótico surge de los “Godos” (término despectivo, dado a posteriori), y fue acuñado por los italianos quienes veían en los Godos la destrucción del imperio Romano (a partir del 476), es decir, un arte de Bárbaros.

El arte Gótico nació en Francia alrededor de 1150 y se extendió desde allí por el Occidente. El Gótico se relacionaba con una reforma que surgió desde un monasterio durante el designio de 1140 cuando el abad Suger de Saint Denis la emprendió para difundir la obra de los franceses: el OPUS FRANCIGENUM.

En realidad, el Gótico abarca varios cambios:

  • cambios de mentalidades que acarrean los pasos entre los diferentes estilos.
  • un cambio en las estructuras sociales: el arte Románico es del campo, en cambio, el desarrollo del arte Gótico llegó con el desarrollo de las ciudades.
  • En cuanto a la iglesia, el arte Románico se correspondía sobre todo con la Iglesia llamada iglesia Militante, la iglesia Triunfante.

En el arte Románico la iglesia estaba sobre todo para ofrecer un alberge contra los demonios (por eso las Iglesias románicas se parecen a fortalezas), cuando al contrario, con el Gótico lo que se busca en las iglesia o las catedrales es el monumento, es la antecámara del reino celeste y de este perspectiva: buscan la luz; abren sus paredes, en los cuales el creyente se siente más cerca al reino eterno; Tienden a proclamar la gloria celeste, y remiten ala Jerusalénceleste con sus calles de oro y cristales transparentes (visión dada por los textos del Apocalipsis). Otro cambio es que el arte Románico pertenece a los frailes, monjes, artistas que son los miembros de la iglesia, cuando con el Gótico no pueden identificarse totalmente con ella.

Características generales del Gótico a lo largo de los siglos  XIII y XIV

Retablos, la palabra viene del latín RETROTABULA ALTARIS (la tabla detrás del altar) re-tablo, es un elemento arquitectónico que se colocaban en los coros o en las capillas y tiene un esquema global dibujado.

De hecho, se desarrolló la pintura de altares a partir de la construcción de las capillas adosadas a las naves laterales, al ábside central o a los demás ábsides. Un conjunto de tablas de madera pintadas e insertadas en un marco arquitectónico. Los que se encargaban de estas pinturas podían ser los cabildos o donantes devotos, o nobles o reyes quienes al encargar retablos hacían un acto de piedad. Generalmente la pintura es al temple o a tempera sobre tabla (la détrempe – el huevo que impide a la pintura secar demasiado rápido).

Por ejemplo: Jaume Serra, retablo de la Virgen 1362 y 1375.

El retablo está dividido por calles, la calle central se llama el ático en el se presenta la escena del calvario o la crucifixión de Cristo. En la parte inferior se encuentra una serie de tablas más pequeñas que se llaman la predela o el Bancal. Luego, podemos ver el guardapolvos que es el marco que sirve, como su nombre dice, para proteger el retablo del polvo.

Este retablo y otros realizados por Serra y su hermano crearon una norma, un modelo típico de la zona levantina a lo largo del siglo XIV con cinco calles y una predela. Pero puede existir mayor complejidad en la estructura como por ejemplo entre-calle (de un retablo de su hermano), o sea pequeñas tablas colocadas entre las calles principales, lo que da una mayor complejidad. A lo largo del siglo XV notamos aún más complejidad (como el ejemplo del retablo mayor de Salamanca de Nicolás El Florentino, 1440-1445).

El Gótico abarca tres siglos, del siglo XIII hasta el siglo XV, cuando el Gótico español tiene un panorama bastante complejo:

A lo largo del siglo XIII, el Gótico español se asimiló con el estilo francés de  influencia franco borgoñona. Se desarrolló en las miniaturas tanto en las vidrieras como en los tapices. En el siglo XIV la influencia italiana fue el arte italogótico. Influencia que vino de Toscana, sobre todo de Siena y Florencia, la influencia se notará en la zona de Levante. Poco más tarde, en el siglo XV, el estilo gótico internacional se mezcló con las distintas corrientes del gótico.

En la segunda mitad del siglo XV se desarrolló el Gótico Hispano Flamenco que se alejó notablemente del arte del Medievo, está considerado como paralelo al Renacentismo.

El Gótico Franco Borgoñón

También llamado Lineal por tener mucha importancia la elaboración en línea para formar una especie de narración del acontecimiento.

A/   Aspectos generales

En el siglo XIII el arte Románico rompió con sus convenciones ya que los artistas empezaron a prescindir de los modelos tradicionales para elegir más libremente lo que querían representar. El cambio más importante radicó en las formas, que se iban haciendo más reales y figuras con mayor expresividad. Las formas se animaron en la escultura y la pintura, tuvieron vida, ropajes más ligeros, las figuras se observaron unas y otras, a veces dejaron adivinar la forma de los cuerpos. Todavía existió un corpus de edificación, de instrucción religiosa pero al lado del aspecto sagrado se buscó una imagen individualizada, trataron de infundir emoción, dolor, mediante contrastes expresivos.

En cuanto a las formas, se orientaron hacia cánones de proporciones mucho más esbeltas, ligeras. Lo que corresponde con la mentalidad dela Corte, se buscó elegancia, los artistas se alejaron un poco de la descripción estilizada. Por ejemplo, en cuanto a la indumentaria, los pliegues de las túnicas ya no aparecieron tan rígidos, sino más naturales. Si el artista evolucionó hacia detalles más naturales, reales, conmovedores. Grosso modo, siguieron la misma meta que fue representar escenas dela Bibliae incluso diferentes escenas en un mismo espacio (espacio diacrónico no secuencial).

B/    El Gótico Francoborgoñón en España

Distintos factores históricos permitieron la llegada del gótico a España:

Importancia de los caminos de peregrinación en Francia y en el norte de España, e introdujeron una nueva forma de refinamiento y de elementos cotidianos.

En el norte (Cataluña y Aragón): se podía aprovechar de la presencia de los conventos.
La influencia vino de distintos lugares.

En Navarra: la aristocracia real se unió a través de enlaces matrimoniales con dinastías francesas. En Castilla: ocurrió algo similar. En todas partes, tuvo gran influencia la presencia de los trovadores que igualmente introdujeron todas las formas artísticas de la época.

En Castilla: la acogida del arte Gótico fue muy favorable, debido al rey Alfonso X el sabio. Quien contribuyó enormemente en cuanto al renacer cultural de Castilla, escribía poesías, entre las cuales destacan las Cantigas en loor a la Virgen. Las Cantigas fueron decoradas con más de 1000 escenas narrativas en el estilo gótico francoborgoñón. La evolución en cuanto al arte Románico fue el aspecto narrativo que acondicionó una organización lineal.

En el arte del Medievo predomina la dicotomía del espacio, dicotomía entre lo celeste y lo terrestre, prosiguiéndose la dicotomía con el uso del color azul para remitir al cielo. En el Gótico se nota una evolución, las figuras se hacen más delicadas, más detalles en la indumentaria, empleo del dorado y de manera global se enriquece la composición. En el arte Románico sólo tenemos lo indispensable, los personajes que intervienen directamente, en el Gótico se añaden los detalles: utensilios de cocina, ademanes, detalles arquitectónicos en el segundo plano.

Se puede reconocer a los personajes gracias a una elaboración más fina, judío (con la nariz larga), a Jesús por los elementos de sacralización, a la Virgen, como por ejemplo en la Escena de la anunciación, la azucena remite a la virginidad.

Por ejemplo: Giotto. Lamentos acerca de la muerte de Cristo. Hacia s. XIII

Arriba: Los plañideros; Las 3 santas; Virgen con el niño.

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Viaje diacrónico en el arte pictórico, parte II

El arte Románico Bizantino
El arte Románico nació alrededor del año 1000 y abarca hasta el año 1250. Hasta el año 1000 los pintores y escultores se mantuvieron fieles a la tradición del decorado geométrico y vegetal que había caracterizado la Alta Edad Media. Pasado el año 1000 se inicia la larga historia de la decoración historiada en las iglesias del Occidente con la introducción de las figuras humanas más o menos reservando la misma idea de representación que en Bizancio.
El arte se producía primero con la finalidad de trasmitir la cultura religiosa e informar a los fieles, sobre todo exaltando la Fe (por eso se rechaza la representación verista, porque Dios no es de este mundo). El arte se convierte en una mera técnica narrativa y expresiva que sigue cánones, normas predefinidas que estaban establecidas por poderes superiores (políticos y religiosos).
A lo largo de la Edad Media el arte no busca lo original, todos los artistas siguen y respetan modelos y tópicos que respetan las indicaciones de los evangelios. El mecenas pedía al artista imitación, que reprodujera un modelo artesanal.

La Temática
Cualquiera que sea el modo de representación, el románico siempre se dedica a la enseñanza de la vida espiritual, enseñanza relativa a la meta final, a la vida celeste. El tema de la muerte, el paso de la vida terrestre a la vida celeste, entre lo visible y lo invisible son temas relacionados con redención, la ascensión de Cristo, el Juicio Final y la elección de los réprobos y de los justos. Además, siempre se añade la figura del Cristo en Gloria, tema central del arte Románico.
Cataluña representa uno de los grandes centros artísticos románicos. Especialmente la pintura es inigualada en Europa tanto por su calidad como por la cantidad de sus obras: pintura de manuscritos, con las riquísimas biblias iluminadas de Ripoll, San Pere de Roda y otras; pintura sobre madera, como los retablos historiados de Bohí, Lluçà, Sant Martí sescorts etc. En la pintura mural, Cataluña se convierte en el centro de Europa. Obras como las composiciones de Santa María y Sant Climent de Taüll (o Tahull) (Imagen arriba a la izquierda, Cristo Pantocrator, 1123) o Sant Pere d`Urgell se encuentran entre los retablos pictóricos más admirables del siglo XII.
Los sujetos recurrentes son los evangelistas, Los ángeles y arcángeles, querubines y serafines. Sin embargo, también aparecen estatuas de los santos titulados y a partir del siglo XII aparecen escenas que contribuyen a la dramatización de la Pasión de Cristo (crucifixión, descendimiento de la cruz), acontecimientos que conducen a Cristo a la muerte.
Por otra parte, los soportes privilegiados en una Iglesia son: los manuscritos (beatos, códices); los muros; los ábsides; las bóvedas. Y en cuanto a Los frontales de altar: tablas de madera (existieron también muchas más ricas, tablas de oro, plata y esmalte) que se colocan delante del altar. La parte superior, el “Ciborium” o “Baldaquín” sacraliza aún más el conjunto.
Por ejemplo: La Virgen María con el niño; Virgen del siglo XIII; Baldaquín de San Cristófol de Toses, siglo XIII; El Baldaquín de San Martí de Toses; Frontal de altar del Apostolado s.XII, en 3 partes; Frontal de Baltarga (igual para Cristo y tetramorfo); Altar de Durro, finales del siglo XII (imagen abajo en el centro); Frontal de Avia (1170-1190); Las representaciones sagradas dentro de la Iglesia.

La Composición Global
La meta del artista medieval no consistía en crear imágenes fieles a la realidad sino en comunicar la letra y el espíritu de la Santa Historia: contar con la mayor economía de medios y dirigiendo la atención hacia lo importante. Las consecuencias son: no se representa el lugar donde ocurren las escenas; las figuras principales se colocan delante de un fondo liso (luminoso a menudo, a veces dorado) en que destaca la escena; el fondo es una superficie convencional que tiende a señalar el sentido profundo de la escena; escenas desligadas de lo cotidiano (tiende al universal).
El fondo liso no permite profundidad, así que en general no existe la noción de paisaje o de ambiente. Salvo varias excepciones: a veces un segundo plano está presente bajo una figuración arquitectural y muy a menudo recalca la escena, creando una imagen dentro de la imagen. O sea, que tiene también una función simbólica, la de la promesa de la salvación divina. El elemento arquitectural remite siempre a la arquitectura celeste (por ejemplo: la fuente del paraíso; la ciudad remite a Jerusalén). Muy a menudo omiten los elementos arquitectónicos de las iglesias ya que por sinécdoque pensamos en la Iglesia como el cielo.
Existe una dicotomía en el espacio como temática de la vida a la muerte y del paso de la vida terrestre a la vida celeste. Una ventaja es renunciar a un arte que representaría la naturaleza y abre muchas perspectivas para el artista que, de su parte, queda exento de la ilusión temporal, espacial y representación dramática. Es decir, superponer varias escenas en una misma representación.
El artista, libre de disponer las formas, los signos y las figuras en un sentido legible  finalmente creaba una forma de escritura, ya que la pintura puede ser una suma de signos significantes. La pintura se convierte en un mensaje legible y simbólico. Además tenía la posibilidad de recalcar distintas escenas en una misma representación. Como en el Arte Gótico y Románico, hay distintas escenas y tiempos sobre un mismo frente de altar: el nacimiento de Cristo; el anuncio a los pastores; la adoración de los Reyes y más.
Se trata de un espacio diacrónico no secuencial ya que no existen divisiones que establecían separaciones entre las escenas; éstas son homogéneas. Se ve, además, cómo se expresa en los retablos y en los frontales de altar, que son espacios diacrónicos secuenciales, heterogéneos. Las distintas escenas están separadas por los arcos.

El Estilo es

  • anti-naturalista,
  • se eliminan todos los elementos de representación naturalista: volumen, luz, sombra, profundidad; espacio y tiempo abstractos;
  • colores que se extienden en superficies continúas sin matices. Se privilegian los colores amarillos y encarnados (púrpura, rojo). De hecho, sólo a partir del siglo XIII se orienta hacia los azules.
  • gradaciones que vienen limitadas por líneas perfectamente definidas (trazos negros, marrones).
  • prescinde de los detalles, pormenores; lo estiliza todo (elimina todos los detalles que podrían remitir a lo cotidiano ya que la meta es de representar la eternidad).
  • figuras en rigidez solemne, los rostros muy alargados y estilizados.
  • hay un hieratismo que nutre la sacralización de las escenas
  • la frontalidad de las perspectivas, la simetría axial de la representación de Cristo.


Si el arte Románico tiende a la estilización, el arte Español acentúa la rigidez y estiliza lo ya estilizado (se debe a la influencia mozárabe). A partir del siglo XII se multiplicaron las cruzadas y se establecieron con el arte Bizantino. Así que volvió este aspecto solemne y rígido. El arte Bizantino nunca sintió la necesidad de evolución. Sin embargo, el arte del Occidente sí que evolucionó, una evolución que dio lugar al arte Gótico.

Viaje diacrónico en el arte pictórico, parte I

Arte es el reflejo de la cultura, es el hombre manifestando su ser transcendental. Las formas de arte son múltiples y a medida de que el sustrato cultural del entendimiento humano se hace más complejo, así el arte se transforma en un mundo donde todo es posible. Un mundo donde la única limitación es nuestra iniciativa e imaginación.

De tal forma, el arte pictórico europeo del último milenio empezó con una sencillez fascinante que captaba el principio de una búsqueda de representación y difusión de ideas y creencias hacia un pueblo analfabeto pero impetuoso.

El arte medieval tiene una fuerte relación con el cristianismo en parte porque la Iglesia se fusionó con el poder del estado (o sea, una asimilación entre el estado, el señor feudal, el emperador y la religión). La iglesia se convirtió en la única institución estable que unificaba la gente y creaba el sentido de pertenencia a un grupo. Tal sensación se manifestaba igualmente en una forma artística: literatura, escultura y, por supuesto, pintura.

En cuanto a ésta última surgieron dos principales problemas: cómo dar forma a un Dios único, invisible y todo poderoso y el problema de la difusión, esencialmente en la zona del Bizancio (a partir del siglo IV fue el cismo entre la Iglesia de Occidente y de Oriente). El primer problema se solucionó rápidamente exaltando la imagen de Dios  con símbolos. Se llegó a una idealización, sacralización de la imagen mediante la rigidez y el estatismo. Los íconos mostraban una presentación rígida, sencilla y frontal para señalar la diferencia con la realidad. Figuras nimbadas, aureoladas, luz del cielo, se llegó así a la obtención de una majestad helada, fría, sobrehumana, un hieratismo (en solemnidad extrema) de las imágenes sagradas. El segundo problema, de la difusión, se solucionó con las normas de Bizancio que también empaparon imágenes cristianas del Occidente: el Tratado de Aix-la-Chapelle, en el año 812, definía una vez más el funcionamiento de la imagen y la función y significación del ícono, o sea la imagen tácita. Según los Libri Carolingi tenían que trasmitir la enseñanza cristiana y todo lo dogmático.

Prerrománico (800-1000)
A partir de este momento, Carlomagno adoptó la línea de Bizancio y permitió un renacer intelectual y cultural (un desarrollo de las artes) que corrió pareja con el desarrollo de las scriptoria. En este momento nacieron “los códices” (codex), libros ilustrados que reproducían escenas de la Biblia a través de iluminaciones (especie de pintura al temple, que de ordinario se ejecuta en vitela (papel liso y sin grano, de gran calidad, cuya superficie permite la reproducción detallada de los dibujos más finos) o papel terso).

En el año 1000 existía una organización de una red bastante rígida de monasterios benedictinos bajo el monasterio francés de Cluny (año 910). A partir del permiso papal que obtuvo el abad Odón, se propagaba la Reforma de Cluny (año 932) por toda Europa junto con el permiso de crear y extender otras reformas para que todos los monasterios siguieran las mismas reglas artísticas. Hubo una unificación estilística, construcción y creación artística con un contenido homogéneo.

Al mismo tiempo, construyeron monasterios en los lugares de peregrinación (lo que explica su concentración en el norte de España). Los caminos iban jalonados de hospitales para acoger a los peregrinos y enfermos (a menudo los hospitales estaban dirigidos por los monasterios). Todos los ornamentos (tanto históricos como pictóricos) tenían un papel didáctico edificante hacia la gente simple y corriente. Lo que puede explicar el hecho de que el Románico sea considerado como arte del campo (donde se encontraban los monasterios).

Existe una doble peculiaridad peninsular: la presencia del camino de Santiago, concentración del arte románico en el norte de España. Y la peculiaridad mayor: presencia de la influencia árabe. En esa época reinaba el Califato de Córdoba y España estaba dividida en dos, con los musulmanes en posición más favorable (la zona bajo influencia de los Francos se limitaba a los Pirineos, Asturias, Cantabria). Este aspecto histórico explica porque el arte Románico sólo se encuentra en el norte ya que hasta el siglo XII la zona vio el desarrollo de la lucha de los Reinos cristianos del norte (Castilla, Aragón, Navarra) contra el Islam.

Así que el arte Románico se vio influido por dos tendencias: Bizantina y musulmana. Lo que dio lugar al arte mozárabe (realizado por los cristianos sometidos en territorio musulmán). A diferencia del arte mudéjar (Teruel) – que es técnica muy distinta del arte mozárabe – el mozárabe es un estilo para cristianos pero que incorpora influencias, elementos o materiales de estilo hispano-musulmán, tratándose de un fenómeno autóctono y exclusivamente hispánico.

Algunas de las características del arte mozárabe son: sencillez; no se trata de reproducir lo real; personajes con caras tratadas de manera frontal; los arcos de herradura (no es arco románico); riqueza cromática (contrastes muy fuertes); importancia de la talla de los personajes: el más importante es el de mayor tamaño (es un elemento prerrománico respetando la perspectiva jerárquica); simbolización (estilo color dorado remite a lo sagrado, igual para el nimbo); las figuras se encuentran bajo el arco porque el arco crea un espacio aparte, crea un marco que sacraliza; tender la mano significa establecer la comunicación; decorativo, arqueológico; las bandas de colores lisos (por ejemplo uno de los beatos en Valladolid del siglo X, Los 4 caballeros del Apocalipsis donde se destacan las bandas de colores lisos); Las leyes del espacio: para dar la impresión de perspectiva que no existe (un personaje está detrás de otro, los personajes se escalonan), de modo que se puede ocupar todo el espacio.

La Proclamación de David en Hebrón


Hecho en el siglo X. Se trata de un episodio de la guerra contra los Filisteos.
David está considerado como el antecesor/precursor del Mesías, se le entregó la llave de Jerusalén para que anuncie la futura entrada de Jesús en Jerusalén. David está considerado como el unificador del pueblo.

Características del mozárabe:

  • bandas de colores lisos
  • extrema rigidez de los personajes

Pero lo esencial son las características románicas:

  • un fondo neutro que demuestra que el espacio no tiene importancia, sólo importa lo simbólico.
  • El conjunto de hombres (comparten los mismos rasgos y ojos).
  • Simbolismo del románico: ausencia de individualización, o sea, que representan al pueblo.
  • tienen una sola mano, es para simbolizar el hecho de que hablan de una misma voz (la mano siempre representa la comunicación).
  • De tamaño inferior a David. Lo que recalca la superioridad de David.
  • Espacio dividido en dos, David se sitúa en el cruce entre el Cielo y la Tierra.
  • Sacralización de David pasa por el nimbo azul que remite al cielo y por el color dorado.
  • Existe una dicotomía marcada por una línea dorada (en el pecho).
  • Colocado en una especie de trono lo que simboliza su papel de rey.
  • Representa el poder religioso que tiene el libro de los salmos.

La dicotomía en su función: enlace entre el pueblo (tierra) y la vida celeste (nimbo). La presencia de la ciudad en el fondo no remite a una ciudad real, sino ala Jerusaléndel Paraíso. En el arte Románico el espacio no tiene ninguna importancia. David es el mediador, forma una línea horizontal con los hombres y la ascensión simbolizada por las verticales. Vemos además el simbolismo de la torre con ladrillos que se orientan en la parte inferior horizontalmente y en la parte superior verticalmente. Los colores son dorados y azules, lo que significa lo sagrado y lo celeste que permite la ascensión. Es interesante ver como no hay nada insignificante en la lectura de este cuadro.

* El trabajo sobre el arte diacrónico está hecho gracias al curso anual de Prof. Peyraga de l’Université de Pau et des Pays d’Adour. Merci pour nous éveiller et révéler la magnificence de l’art.