Viaje diacrónico en el arte pictórico, parte III

El Arte Gótico

El marco – el estilo gótico se inserta en el marco del cristianismo en Europa. El término gótico surge de los “Godos” (término despectivo, dado a posteriori), y fue acuñado por los italianos quienes veían en los Godos la destrucción del imperio Romano (a partir del 476), es decir, un arte de Bárbaros.

El arte Gótico nació en Francia alrededor de 1150 y se extendió desde allí por el Occidente. El Gótico se relacionaba con una reforma que surgió desde un monasterio durante el designio de 1140 cuando el abad Suger de Saint Denis la emprendió para difundir la obra de los franceses: el OPUS FRANCIGENUM.

En realidad, el Gótico abarca varios cambios:

  • cambios de mentalidades que acarrean los pasos entre los diferentes estilos.
  • un cambio en las estructuras sociales: el arte Románico es del campo, en cambio, el desarrollo del arte Gótico llegó con el desarrollo de las ciudades.
  • En cuanto a la iglesia, el arte Románico se correspondía sobre todo con la Iglesia llamada iglesia Militante, la iglesia Triunfante.

En el arte Románico la iglesia estaba sobre todo para ofrecer un alberge contra los demonios (por eso las Iglesias románicas se parecen a fortalezas), cuando al contrario, con el Gótico lo que se busca en las iglesia o las catedrales es el monumento, es la antecámara del reino celeste y de este perspectiva: buscan la luz; abren sus paredes, en los cuales el creyente se siente más cerca al reino eterno; Tienden a proclamar la gloria celeste, y remiten ala Jerusalénceleste con sus calles de oro y cristales transparentes (visión dada por los textos del Apocalipsis). Otro cambio es que el arte Románico pertenece a los frailes, monjes, artistas que son los miembros de la iglesia, cuando con el Gótico no pueden identificarse totalmente con ella.

Características generales del Gótico a lo largo de los siglos  XIII y XIV

Retablos, la palabra viene del latín RETROTABULA ALTARIS (la tabla detrás del altar) re-tablo, es un elemento arquitectónico que se colocaban en los coros o en las capillas y tiene un esquema global dibujado.

De hecho, se desarrolló la pintura de altares a partir de la construcción de las capillas adosadas a las naves laterales, al ábside central o a los demás ábsides. Un conjunto de tablas de madera pintadas e insertadas en un marco arquitectónico. Los que se encargaban de estas pinturas podían ser los cabildos o donantes devotos, o nobles o reyes quienes al encargar retablos hacían un acto de piedad. Generalmente la pintura es al temple o a tempera sobre tabla (la détrempe – el huevo que impide a la pintura secar demasiado rápido).

Por ejemplo: Jaume Serra, retablo de la Virgen 1362 y 1375.

El retablo está dividido por calles, la calle central se llama el ático en el se presenta la escena del calvario o la crucifixión de Cristo. En la parte inferior se encuentra una serie de tablas más pequeñas que se llaman la predela o el Bancal. Luego, podemos ver el guardapolvos que es el marco que sirve, como su nombre dice, para proteger el retablo del polvo.

Este retablo y otros realizados por Serra y su hermano crearon una norma, un modelo típico de la zona levantina a lo largo del siglo XIV con cinco calles y una predela. Pero puede existir mayor complejidad en la estructura como por ejemplo entre-calle (de un retablo de su hermano), o sea pequeñas tablas colocadas entre las calles principales, lo que da una mayor complejidad. A lo largo del siglo XV notamos aún más complejidad (como el ejemplo del retablo mayor de Salamanca de Nicolás El Florentino, 1440-1445).

El Gótico abarca tres siglos, del siglo XIII hasta el siglo XV, cuando el Gótico español tiene un panorama bastante complejo:

A lo largo del siglo XIII, el Gótico español se asimiló con el estilo francés de  influencia franco borgoñona. Se desarrolló en las miniaturas tanto en las vidrieras como en los tapices. En el siglo XIV la influencia italiana fue el arte italogótico. Influencia que vino de Toscana, sobre todo de Siena y Florencia, la influencia se notará en la zona de Levante. Poco más tarde, en el siglo XV, el estilo gótico internacional se mezcló con las distintas corrientes del gótico.

En la segunda mitad del siglo XV se desarrolló el Gótico Hispano Flamenco que se alejó notablemente del arte del Medievo, está considerado como paralelo al Renacentismo.

El Gótico Franco Borgoñón

También llamado Lineal por tener mucha importancia la elaboración en línea para formar una especie de narración del acontecimiento.

A/   Aspectos generales

En el siglo XIII el arte Románico rompió con sus convenciones ya que los artistas empezaron a prescindir de los modelos tradicionales para elegir más libremente lo que querían representar. El cambio más importante radicó en las formas, que se iban haciendo más reales y figuras con mayor expresividad. Las formas se animaron en la escultura y la pintura, tuvieron vida, ropajes más ligeros, las figuras se observaron unas y otras, a veces dejaron adivinar la forma de los cuerpos. Todavía existió un corpus de edificación, de instrucción religiosa pero al lado del aspecto sagrado se buscó una imagen individualizada, trataron de infundir emoción, dolor, mediante contrastes expresivos.

En cuanto a las formas, se orientaron hacia cánones de proporciones mucho más esbeltas, ligeras. Lo que corresponde con la mentalidad dela Corte, se buscó elegancia, los artistas se alejaron un poco de la descripción estilizada. Por ejemplo, en cuanto a la indumentaria, los pliegues de las túnicas ya no aparecieron tan rígidos, sino más naturales. Si el artista evolucionó hacia detalles más naturales, reales, conmovedores. Grosso modo, siguieron la misma meta que fue representar escenas dela Bibliae incluso diferentes escenas en un mismo espacio (espacio diacrónico no secuencial).

B/    El Gótico Francoborgoñón en España

Distintos factores históricos permitieron la llegada del gótico a España:

Importancia de los caminos de peregrinación en Francia y en el norte de España, e introdujeron una nueva forma de refinamiento y de elementos cotidianos.

En el norte (Cataluña y Aragón): se podía aprovechar de la presencia de los conventos.
La influencia vino de distintos lugares.

En Navarra: la aristocracia real se unió a través de enlaces matrimoniales con dinastías francesas. En Castilla: ocurrió algo similar. En todas partes, tuvo gran influencia la presencia de los trovadores que igualmente introdujeron todas las formas artísticas de la época.

En Castilla: la acogida del arte Gótico fue muy favorable, debido al rey Alfonso X el sabio. Quien contribuyó enormemente en cuanto al renacer cultural de Castilla, escribía poesías, entre las cuales destacan las Cantigas en loor a la Virgen. Las Cantigas fueron decoradas con más de 1000 escenas narrativas en el estilo gótico francoborgoñón. La evolución en cuanto al arte Románico fue el aspecto narrativo que acondicionó una organización lineal.

En el arte del Medievo predomina la dicotomía del espacio, dicotomía entre lo celeste y lo terrestre, prosiguiéndose la dicotomía con el uso del color azul para remitir al cielo. En el Gótico se nota una evolución, las figuras se hacen más delicadas, más detalles en la indumentaria, empleo del dorado y de manera global se enriquece la composición. En el arte Románico sólo tenemos lo indispensable, los personajes que intervienen directamente, en el Gótico se añaden los detalles: utensilios de cocina, ademanes, detalles arquitectónicos en el segundo plano.

Se puede reconocer a los personajes gracias a una elaboración más fina, judío (con la nariz larga), a Jesús por los elementos de sacralización, a la Virgen, como por ejemplo en la Escena de la anunciación, la azucena remite a la virginidad.

Por ejemplo: Giotto. Lamentos acerca de la muerte de Cristo. Hacia s. XIII

Arriba: Los plañideros; Las 3 santas; Virgen con el niño.

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Viaje diacrónico en el arte pictórico, parte II

El arte Románico Bizantino
El arte Románico nació alrededor del año 1000 y abarca hasta el año 1250. Hasta el año 1000 los pintores y escultores se mantuvieron fieles a la tradición del decorado geométrico y vegetal que había caracterizado la Alta Edad Media. Pasado el año 1000 se inicia la larga historia de la decoración historiada en las iglesias del Occidente con la introducción de las figuras humanas más o menos reservando la misma idea de representación que en Bizancio.
El arte se producía primero con la finalidad de trasmitir la cultura religiosa e informar a los fieles, sobre todo exaltando la Fe (por eso se rechaza la representación verista, porque Dios no es de este mundo). El arte se convierte en una mera técnica narrativa y expresiva que sigue cánones, normas predefinidas que estaban establecidas por poderes superiores (políticos y religiosos).
A lo largo de la Edad Media el arte no busca lo original, todos los artistas siguen y respetan modelos y tópicos que respetan las indicaciones de los evangelios. El mecenas pedía al artista imitación, que reprodujera un modelo artesanal.

La Temática
Cualquiera que sea el modo de representación, el románico siempre se dedica a la enseñanza de la vida espiritual, enseñanza relativa a la meta final, a la vida celeste. El tema de la muerte, el paso de la vida terrestre a la vida celeste, entre lo visible y lo invisible son temas relacionados con redención, la ascensión de Cristo, el Juicio Final y la elección de los réprobos y de los justos. Además, siempre se añade la figura del Cristo en Gloria, tema central del arte Románico.
Cataluña representa uno de los grandes centros artísticos románicos. Especialmente la pintura es inigualada en Europa tanto por su calidad como por la cantidad de sus obras: pintura de manuscritos, con las riquísimas biblias iluminadas de Ripoll, San Pere de Roda y otras; pintura sobre madera, como los retablos historiados de Bohí, Lluçà, Sant Martí sescorts etc. En la pintura mural, Cataluña se convierte en el centro de Europa. Obras como las composiciones de Santa María y Sant Climent de Taüll (o Tahull) (Imagen arriba a la izquierda, Cristo Pantocrator, 1123) o Sant Pere d`Urgell se encuentran entre los retablos pictóricos más admirables del siglo XII.
Los sujetos recurrentes son los evangelistas, Los ángeles y arcángeles, querubines y serafines. Sin embargo, también aparecen estatuas de los santos titulados y a partir del siglo XII aparecen escenas que contribuyen a la dramatización de la Pasión de Cristo (crucifixión, descendimiento de la cruz), acontecimientos que conducen a Cristo a la muerte.
Por otra parte, los soportes privilegiados en una Iglesia son: los manuscritos (beatos, códices); los muros; los ábsides; las bóvedas. Y en cuanto a Los frontales de altar: tablas de madera (existieron también muchas más ricas, tablas de oro, plata y esmalte) que se colocan delante del altar. La parte superior, el “Ciborium” o “Baldaquín” sacraliza aún más el conjunto.
Por ejemplo: La Virgen María con el niño; Virgen del siglo XIII; Baldaquín de San Cristófol de Toses, siglo XIII; El Baldaquín de San Martí de Toses; Frontal de altar del Apostolado s.XII, en 3 partes; Frontal de Baltarga (igual para Cristo y tetramorfo); Altar de Durro, finales del siglo XII (imagen abajo en el centro); Frontal de Avia (1170-1190); Las representaciones sagradas dentro de la Iglesia.

La Composición Global
La meta del artista medieval no consistía en crear imágenes fieles a la realidad sino en comunicar la letra y el espíritu de la Santa Historia: contar con la mayor economía de medios y dirigiendo la atención hacia lo importante. Las consecuencias son: no se representa el lugar donde ocurren las escenas; las figuras principales se colocan delante de un fondo liso (luminoso a menudo, a veces dorado) en que destaca la escena; el fondo es una superficie convencional que tiende a señalar el sentido profundo de la escena; escenas desligadas de lo cotidiano (tiende al universal).
El fondo liso no permite profundidad, así que en general no existe la noción de paisaje o de ambiente. Salvo varias excepciones: a veces un segundo plano está presente bajo una figuración arquitectural y muy a menudo recalca la escena, creando una imagen dentro de la imagen. O sea, que tiene también una función simbólica, la de la promesa de la salvación divina. El elemento arquitectural remite siempre a la arquitectura celeste (por ejemplo: la fuente del paraíso; la ciudad remite a Jerusalén). Muy a menudo omiten los elementos arquitectónicos de las iglesias ya que por sinécdoque pensamos en la Iglesia como el cielo.
Existe una dicotomía en el espacio como temática de la vida a la muerte y del paso de la vida terrestre a la vida celeste. Una ventaja es renunciar a un arte que representaría la naturaleza y abre muchas perspectivas para el artista que, de su parte, queda exento de la ilusión temporal, espacial y representación dramática. Es decir, superponer varias escenas en una misma representación.
El artista, libre de disponer las formas, los signos y las figuras en un sentido legible  finalmente creaba una forma de escritura, ya que la pintura puede ser una suma de signos significantes. La pintura se convierte en un mensaje legible y simbólico. Además tenía la posibilidad de recalcar distintas escenas en una misma representación. Como en el Arte Gótico y Románico, hay distintas escenas y tiempos sobre un mismo frente de altar: el nacimiento de Cristo; el anuncio a los pastores; la adoración de los Reyes y más.
Se trata de un espacio diacrónico no secuencial ya que no existen divisiones que establecían separaciones entre las escenas; éstas son homogéneas. Se ve, además, cómo se expresa en los retablos y en los frontales de altar, que son espacios diacrónicos secuenciales, heterogéneos. Las distintas escenas están separadas por los arcos.

El Estilo es

  • anti-naturalista,
  • se eliminan todos los elementos de representación naturalista: volumen, luz, sombra, profundidad; espacio y tiempo abstractos;
  • colores que se extienden en superficies continúas sin matices. Se privilegian los colores amarillos y encarnados (púrpura, rojo). De hecho, sólo a partir del siglo XIII se orienta hacia los azules.
  • gradaciones que vienen limitadas por líneas perfectamente definidas (trazos negros, marrones).
  • prescinde de los detalles, pormenores; lo estiliza todo (elimina todos los detalles que podrían remitir a lo cotidiano ya que la meta es de representar la eternidad).
  • figuras en rigidez solemne, los rostros muy alargados y estilizados.
  • hay un hieratismo que nutre la sacralización de las escenas
  • la frontalidad de las perspectivas, la simetría axial de la representación de Cristo.


Si el arte Románico tiende a la estilización, el arte Español acentúa la rigidez y estiliza lo ya estilizado (se debe a la influencia mozárabe). A partir del siglo XII se multiplicaron las cruzadas y se establecieron con el arte Bizantino. Así que volvió este aspecto solemne y rígido. El arte Bizantino nunca sintió la necesidad de evolución. Sin embargo, el arte del Occidente sí que evolucionó, una evolución que dio lugar al arte Gótico.